Hatje Cantz Verlag GmbH Libri

Das Antlitz eines Menschen offenbart die Landschaft eines Lebens. In ihrer ausdrucksvollen Präsenz sprechen nicht nur die Augen, sondern jedes Detail der Gesichtszüge und Falten erzählt von einem gelebten Leben. Daher ist es nicht ganz überraschend, dass Giovanni Segantini, der zu Lebzeiten als Landschaftsmaler und Innovator in der Alpenmalerei gefeiert wurde, das Porträt als das edelste Kunstgenre betrachtete. Umso erstaunlicher ist es, dass dieses Thema bis jetzt sehr wenig Beachtung gefunden hat. Das Segantini Museum in St. Moritz schließt nun diese Lücke mit einer Ausstellung und diesem Begleitkatalog. Zusammengetragen aus privaten und öffentlichen Sammlungen ist dies die erste Ausstellung, die Segantinis beeindruckende Porträts präsentiert. Eine bezaubernde Bilderreihe, deren Einblicke in das Leben der Modelle auch Einblicke in das Leben des Künstlers gewährt.

"Few materials have experienced a similar reevaluation in contemporary art as clay has in the past few years. This timely publication accompanies a large-scale exhibition at Hayward Gallery, London, exploring how contemporary artists are using clay and ceramics in inventive and surprising ways, pushing the boundaries of the medium. Featuring the work of over 20 international artists--from Grayson Perry to Woody De Othello--an introductory essay by curator Cliff Lauson, a text on the history of fine art and ceramics by writer and critic Amy Sherlock, and a round table discussion with the artists from the exhibition, this catalogue is a meaningful contribution to the ongoing conversation about the relationship between art and craft."-- Provided by publisher

As a worldwide phenomenon, techno has not only influenced music history, but also contemporary culture. Its impulses into art, philosophy, pop culture, media consumption and technologies are omnipresent. Based on text and image contributions, the book opens a portal into the usually guarded world of techno. It traces the cultural-historical dimension and the artistic exploration of electronic sound experiences. The catalog, published on the occasion of a worldwide exhibition tour by the Goethe-Institut, reflects on the history of techno and club culture as well as the diverse practices of clubbing. Experiences of space, sign systems, and the club as a place where questions of identity and gender are renegotiated reveal the enormous breadth of the topic. A recommendation not only for friends of electronic dance music. With contributions by artists such as Tony Cokes , Zuzanna Czebatul, Aleksandra Domanovic, Abdul Qadim Haqq, Ryoji Ikeda, Maryam Jafri, Henrike Naumann & Bastian Hagedorn, Carsten Nicolai, The Otolith Group, Vinca Petersen, Daniel Pflumm, Sarah Schönfeld, Jeremy Shaw, Dominique White, Tobias Zielony as well as the film directors Jacqueline Caux, Romuald Karmakar and the musicians DeForrest Brown, Jr Chicks on Speed, Rangoato Hlasane, Robert Lippok, M+M and Mamba Negra.

Paintings, sculptures and works on paper from the maestro of luminous abstraction This homage to the Irish American painter, printmaker, sculptor and photographer Sean Scully (born 1945) celebrates his uniquely evocative color palette. Over the course of his career, Scully has developed a signature visual language composed of layered colors. In his famed large-format abstract paintings, for instance, pictorial compositions are strictly divided into vertical and horizontal stripes, while his application of color is gestural. Through these juxtaposing elements—geometric structure and painterly drama—Scully creates “walls of light,” poetic walls of color generated by great physical force, both powerful and permeable.Accompanying the exhibition at the Langen Foundation in Neuss, Germany, Song of the Colours features a range of Scully’s paintings as well as lesser-known works, including works on paper from the late 1960s and monumental steel and iron sculptures of recent years.

Hardly any other epoch in art history has been marked by as many profound changes as the Late Gothic was in the fifteenth century. Inspired by Netherlandish role models, depictions of light and shadow, body and space, became increasingly more realistic. Everyday life found entry into the arts. With the invention of printing, images and texts were distributed to an extent previously unheard of. Artists such as Nicolaus Gerhaert and Martin Schongauer became widely known and influenced the development of the visual arts throughout Europe and across all genres. Featuring a wide selection of works, the Staatliche Museen zu Berlin present the first extensive exhibition of Late Gothic art in the German-speaking regions. Its comparison and contrast of the various genres turns the catalogue into a handbook for the arts at the threshold of the modern era

Collages, drawings and more from the legendary illustrator and author of The Three Robbers From early childhood drawings of the 1930s to collages and objects from the last decade of the artist’s life, Tomi It’s All about Freedom presents a comprehensive cross section of Ungerer’s vast oeuvre for the first time, revealing the political and stylistic lines and breaks in his career as a “freewheeling artist.” With an abundance of illustrations, the book includes many unpublished and unseen works from the Ungerer estate, and celebrates his unceasing passion for experimentation across genres and the interplay between drawing, collage and assemblage.Accompanying essays―by the artist’s daughter Aria Unger, Thérèse Willer, Belinda Grace Gardner and Thomas David―examine the continuities and motifs across the many genres Ungerer traversed.Tomi Ungerer (1931–2019) published his first drawings in the legendary Simplicissimus magazine, and began his extensive career as an illustrator, children’s book author and artist in New York. In 2003 Ungerer was appointed the first Ambassador for Childhood and Education by the Council of Europe, and in 2007 the Tomi Ungerer Museum opened in Strasbourg, making him the first living artist with a museum dedicated to his life and work in France. Ungerer lived on a farm in southern Ireland from 1976 until his death in 2019.

This publication engages with a futuristic progressive vision on the condition of cinema. By questioning and analyzing cinema?s past and present industry with respect to various forms of staging from the perspective of artistic practice and research, a new space beyond is formulated. The author takes on a journey to reveal an imaginary?astronomical?political trope on and through what can be called the cinema of the present.

A multimedia conversation with European art history Belgian artist Fabrice Samyn (born 1981) enters into dialogue with the Old Masters at the Royal Museums of Fine Arts in Brussels, and with Magritte at the Musée Magritte. Saymn uses photography, sculpture, performance and drawing to translate elements of great works.

In her multidisciplinary work, Berlin-based artist Hannah Hallermann combines clear, essential forms with complex social issues. She calls her sculptures, which often resemble abstract architectural elements or sports equipment, "Tools for Social Transformation". They serve her as instruments for analyzing the present and establishing new parameters. In her first solo catalogue, her work is presented extensively and brought into an exchange with various narratives and text formats concerned with transformation. HANNAH HALLERMANN (*1982, Nuremberg) lives and works in Berlin. She was awarded with the Stiftung Kunstfonds (2016, 2020), the Pollock-Krasner Foundation grant (2020) and the Sonderstipendium des Landes Berlin (2020). Her work is part of the Sammlung Hoffmann and the Staatliche Kunstsammlung Dresden.

A materialist art of painting between popular and underground culture Polish painter Lukas Glinkowski (born 1984) mines art history and comics, and uses unconventional supports such as tiles and mirrors. His first monograph provides insight into his references and materials.

What makes a person an artist? How do works of art and their very own, extraordinary style come into being? And how does the prominent painter view his own work? The world-famous painter Sean Scully met with the philosopher David Carrier for several in-depth interview sessions. Their conversations explore these and many more questions about Scully's life, work, and ideas. The result is a rich manuscript that very closely approaches the status of a valid autobiography. Scully provides personal insights into his life and the important sources of inspiration for his career. He discusses his own view of his entire oeuvre, of art history and his position within it. Thus, this text becomes a literal eye-opener for Scully's art, which can be (re)discovered through his words. SEAN SCULLY (*1945, Dublin) is one of the most famous artists of his generation. In addition to numerous exhibitions worldwide, he has been honored with important awards such as the Guggenheim Fellowship and Harckness Fellowship. DAVID CARRIER (*1944) is a philosopher and art critic. His contributions to art appear in ArtForum and ArtUS, among others. With this interview tape, he takes up an interest of his teacher Arthur C. Danto, whose texts on Scully were published by Hatje Cantz in 2015.

The nature of art is-also-a dialectical one. This statement usually tends to apply to the conversation between the work and its viewer. Lipp&Leuthold, however, do not leave it at that but explode the boundaries between painting and sculpture with inexhaustible wit and élan. It begins with the authorship, which must always be considered in the plural, since it involves two artists. From the first to the last detail, they work closely together, blending and complementing each other in unique ways. The resulting openness of the creative process is reflected in the congenial diversity of form and color as well as in their choice of materials. Each piece is evidence of genuine autonomy and a dynamism that electrifies the process of observation. At the same time each work is the product of an accomplished sense of humor that reveals the aesthetic experience as an exciting process of thinking about art and the market, sense and nonsense. PAUL LIPP (*1977) and RETO LEUTHOLD (*1977) met while they were students at the HGK in Lucerne. Together they explore painting and art history in an intelligent and witty manner. The City of Lucerne's Fine Arts Commission honored the unique esprit of their works in 2020.

Monochrome explorations of texture and light from Norwegian painter Thomas Pihl Following in the tradition of monochrome painting descending from Malevich, the works of Norwegian painter Thomas Pihl (born 1964) orchestrate a subtle manipulation of light and color. His works are gathered now for the first time in a comprehensive publication.

What is the status of the copy in relation to its original? What role does the original play when it vanishes behind perfect reproductions? How does the medium it is presented in influence perception? Ane Mette Hol?s art poses these questions by producing precise doppelgängers of photographs, texts, packaging, notebooks or book pages. Hol?s carefully honed precision is riveting. In their paradoxical quality her works are (not) Magritte?s pipe for the twenty-first century. The publication also works with this strategy: it offers not only a survey of Hol?s work from the last few years, but itself becomes part of this dialectic game. Hol herself has reproduced some of the pages again, integrating them into the catalogue as copied originals of a copy.00ANE METTE HOL (*1979) studied at the Konstfack Stockholm and the Oslo National Academy of the Arts. Her work has been seen in numerous international group exhibitions and solo shows. Hol lives in Oslo.00Exhibition: OSL contemporary, Oslo, Norway (01.10. - 10.10.2020)

Nathan Peter lets the ornament balance on the thin line between the figurative and the abstract. His still lifes are confronted with repetitive forms or reveal a recurring pattern. Sometimes the meandering movement seems to take up the entire pictorial space. But more than just color and form are integrated into these repetitive rows. The canvas itself becomes the most strongly expressive figure. It becomes permeable, creating folds or fluidly taking in the space, which is cut into strips like a sophisticated network. Thus, Peter creates an oeuvre of abstract objects and painted installations that dissolve the boundaries between genres with virtuosity. This publication is the first to offer a comprehensive view of the artist's fascinating work.

Fassbinders kreative Unangepasstheit und künstlerische Radikalität führten zu inzwischen legendären Filmen, Fernseh- und Theaterstücken, wie Angst essen Seele auf, Die Ehe der Maria Braun, Acht Stunden sind kein Tag, Berlin Alexanderplatz oder Querelle, die sich in das kollektive Bildgedächtnis eingeschrieben haben. Er war in seinem kurzen Leben äußerst produktiv: Er schrieb, drehte oder inszenierte 45 Spielfilme und 25 Theaterstücke. Fassbinder war ein Künstler, dem in seinen Werken die Synthese aus radikaler Subjektivität und gesellschaftlicher Analyse gelang. Das schon zu seinen Lebzeiten oft kontrovers diskutierte Werk Fassbinders hat bis heute nichts von seiner Relevanz, Intensität und Strahlkraft verloren. Diese Publikation präsentiert ein umfassendes Porträt des großen deutschen Filmemachers im Spiegel seiner Zeit. Seine Arbeiten und seine Biografie werden reich bebildert mit der damaligen deutschen Lebensrealität verknüpft.

Jenes unvergleichliche Spiel von Licht und Farbe im bildnerischen Werk von Paul Cezanne begründet seinen Ruf als einer der Wegbereiter der Moderne. Von Anfang an ganz eigene Wege gehend, rief seine Malerei in der zeitgenössischen Kunstkritik zunächst Unverständnis und Spott hervor. Trotz romantisch-barocker, impressionistischer und schließlich klassischer Einflüsse kann Cezanne auch heute noch keiner Strömung eindeutig zugeordnet werden. Doch welche konkreten Orte haben auf den Spross einer provenzalischen Bankiersfamilie bleibenden Eindruck ausgeübt? Was waren die für ihn prägenden Einflüsse und Personen, die sein innovatives Schaffen unterstützt und gefördert haben? James H. Rubin zeichnet Cezannes Leben und Schaffen in diesem kleinen Band von A bis Z nach und entwirft so das Bild eines Malers, der das Malen verändern wollte. Es gelingt dem Autor - und ausgewiesenen Kenner - dem Künstler nahe zu kommen und gleichzeitig die gebotene Distanz zu seinen unvergleichlichen Bildern zu wahren

Wie kommt es, dass man von Dresden als dem »Elbflorenz« spricht? Und warum wird der Name »Venedig des Nordens« gleich von mehreren Städten – Amsterdam, Brügge, Hamburg, St. Petersburg bis hin zu Stockholm – für sich in Anspruch genommen? Und wo wollte man nicht überall Rom finden? Ob in Konstantinopel, dem sogenannten »Nova Roma« mit seinen sieben Hügeln oder in Moskau, das als »das dritte Rom« gilt? Spannend wird es dann, wenn Städte, die sich auf andere Städte berufen, selbst zu neuen Vorbildern avancieren, wie im Falle von Paris. Ist diese Zitierfähigkeit und -freudigkeit von Städten heute auch noch aktuell? Zu all diesen Fragen nimmt uns der Architekturhistoriker Wolfgang Pehnt in diesem lehr- und aufschlussreichen Band mit. Mit seinem anschaulichen wie prägnanten Schreibstil spürt er den Ursprüngen, Legenden und Vorbildern von Städten nach, von Athen bis Jerusalem. Er lehrt seine Leser Städte lesen wie ein Buch.

Kaum eine Epoche der Kunst ist von so durchgreifenden Veränderungen geprägt wie die Spätgotik im 15. Jahrhundert. Angeregt durch niederländische Vorbilder werden Licht und Schatten, Körper und Raum zunehmend wirklichkeitsnah dargestellt. Der Alltag hält Einzug in die Künste. Mit der Erfindung der Drucktechnik kommt es zu einer ungeahnten Verbreitung von Bildern und Texten. Künstler wie Nicolaus Gerhaert oder Martin Schongauer erlangen überregionale Berühmtheit und nehmen über alle Gattungen hinweg Einfluss auf die Entwicklung der Bildkünste in ganz Europa. Die Gegenüberstellung der unterschiedlichen Gattungen macht den Katalog zu einem Handbuch der Kunst am Übergang zur Neuzeit.

Die Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin ist für ihre hervorragende Sammlung europäischer Meisterwerke des 13. bis 18. Jahrhunderts bekannt. Jedes der zwölf Kapitel dieses Buches ist einem Gemälde aus der Sammlung gewidmet. In der Zusammenschau zeigt sich eine Malerei, wie sie sich selbst entdeckt und dabei zum Medium wird, um moderne Subjektivität auszudrücken. Die hier besprochenen Gemälde entfalten sich in ihren künstlerischen Fragen, die auch die unseren sind. In welchen Paradoxien entstehen Kunstwerke, die von Frauen geschaffen werden? Wie beeinflusst der alte Drang, Kunstwerke zu zerstören, den heutigen Diskurs über Kunst? Wo setzte der moderne Kampf der Malerei gegen das Bild ein und wie wirkte er sich aus? Warum sucht uns der Wilde Mann aus der deutschen Renaissance noch heute heim? Und warum ist es unwichtig zu wissen, ob Jan Vermeer beim Malen ein optisches Gerät verwendete oder nicht? "Zwölf Bilder" ist eine Hymne an die Aktualität der Alten Meister. TAL STERNGAST (*1972, Israel) studierte Fotografie und Film in Jerusalem, London und Berlin. Sie hat zahlreiche Essays und Artikel über zeitgenössische Kunst und Filme in internationalen Tageszeitungen und Magazinen veröffentlicht und Ausstellungen kuratiert. Dieser Band basiert auf der Reihe "Alte Meister", die Sterngast von 2017 bis 2019 in der Wochenendbeilage der tageszeitung publizierte.

Der japanische Künstler Taro Izumi blickt mit Schalk auf die Welt. Er entwickelt multimediale und unklassifizierbare Werke, die die Betrachtenden mit auf eine Reise an die Grenzen der Realität nehmen. Izumis Ideenreichtum ist unbändig. Für das Museum Tinguely entwirft er einen Parcours, auf dem man auch neuen Arbeiten – etwa einer Waschmaschine auf einer Pyramide, Roboterstaubsaugern oder Menschen, die den Boden ablecken – begegnen kann. Izumis Glaube an einen nicht aufhörenden Wandel der Dinge spiegelt sich auch in der Struktur des als Ringbuch gestalteten Katalogs wider. Damit findet er einen Weg, die Unklassifzierbarkeit seines Werks in ein anderes Medium zu übertragen.

Der Eintritt in ein Kloster war mehr als eine Entscheidung für ein kontemplatives, dem Gebet gewidmetes Leben. Das Klosterleben erlaubte Frauen Zugang zu umfangreicher Bildung und manch eine religiöse Frau prägte mit ihren Schriften die Theologie und das Wissen des Mittelalters. Andere stiegen innerhalb der Klosterhierarchie zu Macht und Ansehen auf. Sie leiteten weit verzweigte Orden oder empfingen als Stadtherrinnen Könige und regierten als selbstbewusste Reichsfürstinnen. Dieser Band beleuchtet die Vielfalt religiöser Lebensformen für Frauen im Mittelalter als Nonnen, Mystikerinnen, Stadtherrinnen oder Theologinnen. Essays und Kurztexte stellen in dieser reich bebilderten Publikation viele Facetten weiblichen Klosterwesens im Mittelalter vor. Dieser Band erlaubt einen Blick in den Alltag der Nonnen, lässt gebildete, einflussreiche und selbstbewusste Frauen zu Wort kommen und stellt deren Glaubens- und Lebenswelten vom 9. bis ins frühe 16. Jahrhundert in Europa, insbesondere in der Schweiz, vor