Ulrich Pfisterer Libri

Im vorliegenden Band werden erstmals aus interdisziplinärer Perspektive die Konzepte von Topoi und loci communes auf die Bildkünste und das bildhafte Denken in der italienischen Renaissance übertragen. Die entsprechende Frage nach einer Bestimmung und Spezifik visueller Topoi ist das Anliegen dieses Buches. Der Band vereint Beiträge in deutscher, italienischer und englischer Sprache.

The art of the Sistine Chapel, decorated by artists who competed with one another and commissioned by popes who were equally competitive, is a complex fabric of thematic, chronological, and artistic references. Four main campaigns were undertaken to decorate the chapel between 1481 and 1541, and with each new addition, fundamental themes found increasingly concrete expression. One overarching theme plays a central role in the chapel: the legitimization of papal authority, as symbolized by two keys—one silver, one gold—to the kingdom of heaven. The Sistine Chapel: Paradise in Rome is a concise, informative account of the Sistine Chapel. In unpacking this complex history, Ulrich Pfisterer reveals the remarkable unity of the images in relation to theology, politics, and the intentions of the artists themselves, who included such household names as Botticelli, Michelangelo, and Raphael. Through a study of the main campaigns to adorn the Sistine Chapel, Pfisterer argues that the art transformed the chapel into a pathway to the kingdom of God, legitimizing the absolute authority of the popes. First published in German, the prose comes to life in English in the deft hands of translator David Dollenmayer.

Mit den neuesten Entwicklungen der Bio-Art wird der jahrtausendealte Traum vom Künstler als Schöpfer eines eigenen, belebten Universums Wirklichkeit. KünstlerInnen beanspruchen nun, genetisch veränderte Lebewesen als Kunstwerke zu erschaffen. Dies erfüllt die Vorstellung, dass Kunstwerke ‚Lebewesen‘ sind oder durch Konzepte biologischer Prozesse erfasst werden können. Das Buch untersucht die visuelle Umsetzung von Theorien und Topoi des ‚lebenden Kunstwerks‘ in ihrer historischen Entwicklung. Es stellt Fragen zu den Formen des künstlerischen ‚Belebungs‘-Aktes, der Integration von ‚Leben‘ in Bildwerke und den Bedingungen der Artefakte sowie den Mitteln, mit denen diese überschritten werden. Zudem wird betrachtet, wie sich die Wahrnehmung des Betrachters verändert, wenn Kunst und Leben in Frage gestellt werden. Diese visuelle Aktualisierung von ‚Lebendigkeit‘ im Kunstwerk geschieht stets in Verbindung mit geschlechtsspezifischen Konzeptualisierungen des ‚Lebens‘. Die Vorstellungen über die Kreativität des Künstlers/der Künstlerin und die Wirkung des Kunstwerks bringen biologische Prozesse, Gender und künstlerische Schöpfung in einen Dialog, der die Grenzen zwischen Kunst und Leben neu definiert.

Die Artefakte der Menschheit, sofern sie (auch) nach ästhetischen Gesichtspunkten gestaltet wurden, ihre historischen Funktionen und Kontexte sowie die sie begleitenden Ideen und Theorien sind Gegenstand der Kunstgeschichte. Die Disziplin untersucht also alle Arten von Architekturen, Bildern, Skulpturen, aber auch Design, Foto, Film, Mode, digitale Bilder, ephemere Inszenierungen. Zentrale und aktuelle Herausforderungen des Fachs ergeben sich unter anderem aus der Frage, wie sich historische Konzepte mit einem überzeitlichen Kunstbegriff verbinden lassen, wie europäisch-westliche Vorstellungen und die weltweiten Formen der Kunstproduktion zusammengehen können, und nicht zuletzt daraus, in welcher Weise ästhetische Entscheidungen und 'Bilder' in allen Bereichen des menschlichen Lebens und Wissens wirksam sind.

Die Sixtinische Kapelle im Vatikan, von Sixtus IV. 1475–1483 erbaut, ist wegen ihrer Wand- und Deckenbilder weltberühmt. Mit der Ausmalung der Kapelle beauftragten Sixtus IV. und sein Nachfolger Julius II. die führenden Maler ihrer Zeit, zunächst Botticelli, Perugino, Ghirlandaio und schließlich Michelangelo. Insbesondere die Fresken Michelangelos, etwa die "Erschaffung Adams" oder das "Jüngste Gericht", zählen heute zu den Meisterwerken der Renaissancekunst. Ulrich Pfisterer schildert in diesem Band anschaulich die Entstehungsgeschichte der Sixtinischen Kapelle und erläutert, worin die Faszination dieses Monuments bis heute liegt. (Verlagsbeschreibung)

Wenn Amors Pfeil trifft, zeichnet er das Portrait der geliebten Person direkt ins Herz – weshalb der Liebesgott vom italienischen Dichter Petrarca als größter Künstler gerühmt wurde. Ulrich Pfisterer erschließt in Texten und Bildern die grundlegenden Zusammenhänge zwischen Kunst und Liebe. Schon Cicero wies auf die sprachliche Verwandtschaft zwischen dem Pinsel [pennellus], der Feder [penna] und dem Penis hin. Neben dem erotisch- sinnlichen Aspekt steht aber auch der von Zeugung und Geburt der Künste. Die Kunst wird körperlich empfunden. Und nicht nur die Antike, auch das Christentum steht Pate, wenn sich etwa die Allegorien auf Gerechtigkeit und Frieden in einem leidenschaftlichen Kuss verbinden. Auf einem niederländischen Stich von 1580 sind es dann erstaunlicherweise Fleiß und Arbeit, die sich küssen. In der Renaissance war die Erotisierung der Kunst in Wort und Bild allgegenwärtig – und rechnete mit dem Kunstliebhaber als voyeuristischem Dritten, der an all dem sein Vergnügen hat. Ulrich Pfisterer, einer der profiliertesten jüngeren Kunsthistoriker, lassen sowohl die Kunst- Liebe als auch ihre zahlreichen Zeugnisse in schriftlichen Quellen und Bildern nicht los – hier fasst er die Ergebnisse seiner Forschungen zusammen.

Der prächtige Bildband lädt ein zu einem besonderen Spaziergang durch die Kunstgeschichte: zu einer Begegnung mit den herausragenden Künstlern unseres Kulturkreises. 85 hochwertige Reproduktionen dokumentieren, wie sich die großen Meister vom Mittelalter bis in die Gegenwart in ihrer Kunst selbst stilisierten. Sie zeigen sich dem Betrachter so, wie sie gesehen werden wollen: als gutsituierter Bürger, als Hofmaler, als hart arbeitender Handwerker, als Intellektueller, Melancholiker oder Heiliger. Die Auswahl reicht vom Meister Vuolvinius am Mailänder Altar-Antependium (um 835) bis zum Selbstporträt von Gerhard Richter (2000), und umfasst Gemälde, Zeichnungen, Büsten, Kleinkunstwerke, Raumkunst und Fotografien. Über dreißig Porträtforscher erläutern die Entstehungsgeschichte der Werke, den biographisch-persönlichen Kontext, den geschichtlichen und gesellschaftlichen Hintergrund sowie künstlerische Details.